martes, 15 de junio de 2010




UNIDAD HABITACIONAL SANTA FE


El segundo paseo se realizó en la Unidas Habitacional Santa Fe. La visita fue guiada por dos arquitectos expertos en el tema. Esta unidad, se construyó en 1956. El arquitecto fue Mario Pani, quien realizó también muchos otros proyectos a lo largo de la ciudad.

El objetivo de la visita fue conocer las ideas y preocupaciones a las que respondía el proyecto original y observar los cambios que han sufrido las estructuras a lo largo de los años. Dichos cambios tiene que ver tanto con el cambio de administración como con el crecimiento en el número de habitantes en las familias que viven ahí. El crecimiento, ha provocado que surjan nuevas necesidades a las que el proyecto original no puede responder. Un aspecto interesante dentro de la unidad es que pueden observarse las numerosas adaptaciones hechas por las familias, con la finalidad de satisfacer sus necesidades. Otro aspecto interesante es que la gente necesita sentir que el espacio que habita le pertenece. Esta es una de las razones por las cuales, se han incorporado a la arquitectura nuevos elementos con la intención de que las casas se diferencien una de la otra. También, han ganado terreno al espacio común mediante la instauración de rejas para delimitar el espacio. Esto responde a una necesidad de sobresalir, de no ser igual al otro. La convivencia social también incluye una especie de jerarquización en los habitantes, aspecto que puede observarse en las ampliaciones hechas a las casas. El proyecto de Mario Pani, responde a ideas funcionalistas que van de la mano con los preceptos de la ciudad moderna. Sin embargo, no toma en cuenta ciertos aspectos sociales y que han dado como resultado las múltiples modificaciones que se pueden observar el día de hoy.

La visita fue sumamente interesante ya que mediante la observación y la información proporcionada, se generaron reflexiones que ayudan en la construcción de pensamientos que ayuden a entender las razones de dichos cambios.

FENOMENOLOGÍA DEL OBJETO ENCONTRADO.


La práctica consisitó en el recorrido de ciertas zonas del Centro Histórico de la Ciudad de México. Mientras caminamos por las calles, se discutieron aspectos importantes del Centro. Algunos de ellos fueron: la interacción de tiempos en un mismo espacio, ya que en el Centro Histórico conviven pasado, presente y futuro así como la importancia de ese espacio específico para la población y la concepción occidental de lo que es una ciudad.

Una de las paradas, tuvo lugar en la Plaza de Santa Catalina. El objetivo fue, identificar objetos que no pertenecieran al espacio, realizar un registro con fotografías del objeto, del objeto en el espacio y del espacio sin el objeto así como una descripción de las posibles causas por las que fue encontrado en ese lugar.

Otra de las paradas tuvo lugar en La Alameda, en donde se procedió mediante la misma dinámica.

Los objetos encontrados fueron diversos. En la plaza de Santa Catalina, llamó la atención que las fuentes y las fachadas de las casas tuvieran pintas. Al hablar con una policía que transita por el lugar frecuentemente, explicó que fueron realizadas por los niños que viven en la plaza o cerca de ella durante las vacaciones de Semana Santa. El objeto encontrado fue un envase de aerosol que probablemente fue utilizado para realizar las pintas. En complemento a dicho objeto, incorporamos varias hojas que habían sido salpicadas por la pintura. De el hallazgo, partieron múltiples reflexiones y se pudo observar de manera directa que los habitantes de las distintas zonas de la ciudad, afectan de diferentes formas la naturaleza del espacio, dejando huellas de sus acciones.

La siguiente parada fue en la Alameda. Se realizó la misma dinámica y el objeto encontrado fue un pedazo de publicidad política de tintes izquierdistas. El objeto evidencia la importancia del Centro como espacio de reunión para manifestaciones ideológicas, políticas y sociales. Es un punto de unión y organización que funciona precisamente por que posee construcciones y elementos de otras épocas que se actualizan y poseen una visión hacia el futuro.


El recorrido permitió el tránsito consciente por las calles del Centro poniendo atención, observando objetos que generalmente no son vistos y percibiendo aspectos de el desenvolvimiento social en torno a ése espacio.

LA ESCULTURA EN EL CAMPO EXPANDIDO


Durante finales del siglo XIX, sucedió un cambio importante en el mundo de las artes. La definición de escultura se transformó, provocando la inclusión de nuevas categorías artísticas beneficiando a los objetos que anteriormente no se consideraban arte. Este cambio tiene que ver con el concepto de la escultura en el campo expandido. La idea se incluyó mediante un discurso analítico en la cultura y las artes. Esto provocó el surgimiento de una visión que consideró un numero mayor de posibilidades en cuanto a elementos ignorados anteriormente, transformando los límites impuestos en espacios infinitos.

El campo expandido puede concebirse como una consecuencia de las vanguardias o como una tendencia modernista.

Durante los años sesentas, el dinamismo en las artes y específicamente en la escultura dio lugar a nuevas reflexiones teóricas.

El campo expandido se definió como una práctica artística que tuvo impacto en la producción de objetos artísticos. Esta definición, incluye aspectos teóricos con la finalidad de promocionar nuevos juicios y preceptos para comprender éste tipo de prácticas.

Uno de los cambios que propició ésta teoría es que el arte se relaciona con la vida y que opera también en sentido contrario. Cualquier práctica social, puede incluirse en los términos artísticos.

MIWON KOWN Y EL SITE SPECIFICITY


El site specificity, ha sido utilizado por varios artistas en la producción de sus obras y gira entorno a la idea de la relación que existe entre una obra y un lugar.

Este tipo de trabajos tienen como finalidad principal generar un tipo de espacio que incorpore a la acción y a los conceptos propuesto por el ready- made.

El site specificity, propone una visión integral que incluye al arte y al espacio, tomando en cuenta los aspectos topológicos, a los elementos simbólicos propios de un lugar y a la relación cotidiana entre espacio y la gente que lo habita.

Según el autor, existen tres tipos de site specificity: el fenomenologico, cuya finalidad es resaltar que este tipo de arte surge como reacción hacia la mercantilización de las obras de arte, el social- institucional que tiene relación con el arte conceptual y la crítica institucional y el discursivo, que hace referencia a los artistas cuyo trabajo se desarrolla dentro de un espacio específico que sirve como marco cultural. La finalidad de este tipo de zonas no es el trabajo con el arte.

El site specificity, propone una íntima relación con el lugar. Esta característica provoca que la obra dependa del espacio, imposibilitando su traslado a otros lugares. Cuando las obras de site specificity son movidas de su lugar de origen, tanto el concepto como el sentido de la misma cambian. Para lograr este movimiento, la obra tiene que ser desterritorializada para poder así reteriitorializarla en un espacio nuevo.

DANIEL BUREN & HANS HAKE

Ambos artistas utilizan el concepto de sitio específico y la crítica social para la realización de sus obras. Sin embargo, utilizan diferentes medios de expresión.
Hacke es transgresor en cuanto a las críticas sociales que propone en sus obras. Por medio su trabajo, evidencia las relaciones que existen entre el círculo del arte, la política y la sociedad. En sus obra MOMA Poll, coloca dos urnas de votación a la entrada de el del museo y hace una pregunta: ¿Sería el hecho de que el gobernador Rockefeller no denunciara la política del presidente Nixon en Indochina una razón para que tu no votes por él en las elecciones de noviembre? El público depositó las respuestas en las urnas. Lo que llamó la atención y molestó a la institución es que la mayor parte de las personas que participaron respondieron SI. La molestia se suscitó por que el mismo Rockefeler formaba parte del consejo administrativo del museo. La censura de la obra fue el elemento que terminó de dar sentido a la misma y la convirtió en una especie de crítica desde el museo y para el museo.
Otra de sus obras, Condensation Cube, responde conceptualmente a la idea de que la autonomía del arte ha desaparecido. Para él, el arte es en algo orgánico, algo vivo y su transparencia está prostituida.
Por su parte, Daniel Buren con la obra Afiches Savages critica a la sociedad de consumo. Dicho consumismo, utiliza como herramienta principal la publicidad en las calles. El artista inserta sobre dichas herramientas una serie de barras negras y blancas que se repiten. Esta idea de repetición se translada al espacio público provocando el surgimiento de nuevas lecturas al respecto como por ejemplo la idea de que no solo el museo es el espacio para el arte, si no que también lo son las calles de una ciudad.

THE ALTAS GROUP



Es una organización interesada en mostrar noticias sobre la violencia en el mundo y específicamente de Líbano. El artista Walid Raad, originario de dicho país, utiliza cierta información real para realizar sus piezas. A esta información, le incorpora elementos ficticios como nombres de supuestos rehenes, historiadores e investigadores que trabajan con The Atlas Group, entre otras cosas. Sin embargo, asegura que los datos que emitidos por la organización son reales. Esta característica pone en tela de juicio aspectos de la sociedad como la historia y los medios de comunicación encargados de llevar esta información por el mundo. La realidad también es cuestionada por medio de las obras. Los elementos ficticios que se insertan en las historias provocan que éstas se conviertan en una especie de hiper realidad.
Las obras no pretenden ser evidencia de los acontecimientos de la guerra. La finalidad es resaltar los sucesos de la guerra que no están presentes dentro de las noticias vinculándolo con lo cotidiano. Otro de los aspectos importantes que incorpora a su trabajo es, la idea de que la guerra provoca impacto y consecuencias importantes en el mundo pero sobre todo en los países que las padecen.

lunes, 14 de junio de 2010



MIERLE LADERMAN UKELES & HI- RED CENTER

Mierle Laderman Ukeles nace en Denver en el año de 1939. Durante los sesentas, se interesa por las distintas exploraciones del espacio y decide investigarlo desde un punto de vista artístico.
Como ejemplos de su trabajo se encuentran la serie de performances realizados en 1973, Hartford Wash, Tracks y Maintenance.
Mediante sus obras, pretende unificar al feminismo, al activismo social y a la crítica institucional.
En Hartford Wash, decide limpiar la entrada a un museo ya que considera a las instituciones espacios corruptos. Otro de los aspectos que destacan en su obra es la crítica hacia el papel que ocupa la mujer dentro de la sociedad y los roles que desempeña.

Hi- Red Center, fue un grupo japonés que formó parte del movimiento cultural que luchó por la presencia de un colectivismo de colaboración. Tuvo lugar en la década de los sesentas.
El movimiento se vio influenciado por el dadaísmo y fluxus. Ciertos proyectos se presentaron en la ciudad de Nueva York.
Algunas de sus acciones se realizaron dentro de galerías y espacios artísticos, pero la gran mayoría fueron realizadas en espacios públicos.
Ejemplo de su interesante trabajo es el performance o agitación (como ellos mismos los llaman) Street Cleaning Event. La obra consiste en que los integrantes del grupo, disfrazados de doctores o científicos, limpien las calles del centro de Tokio utilizando todo tipo de instrumentos de limpieza. La acción causó varias respuestas por parte de las personas que transitaron la calle en el momento de limpieza. Extrañeza, curiosidad e incluso paranoia fueron elementos desatados por la obra.

Los artistas pretenden insertarse en un ambiente cotidiano. Sin embargo, el resultado es la ruptura de dicha cotidianeidad. Esto se debe a que las obras se insertan en un espacio al que no pertenecen y realizan actividades que llaman la atención de los individuos que transitan continuamente por ese mismo lugar.